Mengapa Realisme?

Frederick Ross

Membangun Klasik
Berpikir tentang tema membangun klasik, saya menyimpulkan bahwa tidak ada yang bisa lebih tepat daripada ber­tanya dan menjawab per­tanyaan ini: Mengapa real­isme?

Akhirnya, saat ini ada banyak organisasi yang percaya pada nilai dan pentingnya realisme, baik klasik maupun kontempo­rer, namun mengapa real­isme?

Mengapa setelah satu abad difitnah, ditindas, dan mendekati pemusnahan, disaat si penerima memer­cayai pengajaran di hampir setiap sekolah tinggi, pergu­ruan tinggi, dan universitas selama seratus tahun tera­khir, bahwa realisme tidak orisinal?

Selain itu, semua realis yang lakukan hanyalah me­nyalin dari alam. Realisme, menurut mereka adalah ke­wajaran.

Kebanyakan orang bisa mengatakan apa yang ditampilkan dalam lukisan realistis atau patung. Sangat mudah dimengerti. Tidak kreatif, hanya menciptakan bentuk-bentuk dan ide-ide yang tidak ditemukan dalam penampilan orisinalitas nya­ta secara alami. Jadi pertanyaan bagi masyarakat masa kini, dan bagi para seniman realis, pertanyaan untuk bu­lan, tahun, dan selama sisa hidup mereka, adalah: Mengapa realisme?


Jawaban saya adalah langsung, sederhana, dan harus jelas: seni visual menggambar yang baik, melukis, dan membuat pa­tung paling baik dipahami pertama, terakhir, dan selalu sebagai bahasa, bahasa vi­sual.

'Cimabue's Celebrated Madonna, karya Frederic Leighton pada 1853 - 1855 (Wikipedia) 

Ia dikembangkan dan dilestarikan pertama kali, terutama sebagai sarana ko­munikasi yang multi fungsi seperti halnya bahasa lisan dan tulisan. Dan seperti bahasa, ia berhasil jika ko­munikasi terbentuk, dan ia tidak berhasil jika ter­henti. Jawaban ini sekaligus mendefinisikan istilah "seni rupa". Jadi seni rupa adalah cara bahwa manusia dapat berkomunikasi.

Dan bagaimana bisa benar-benar dapat berkomu­nikasi, kecuali dengan ba­hasa yang dipahami oleh orang-orang yang mendengarkan? Jika komu­nikasi adalah tujuan, maka bahasa kita harus memiliki kosa kata dan tata bahasa yang digunakan bersama oleh pencerita dan penden­gar sama.

Jika Anda berpikir ten­tang hal ini, bentuk-bentuk paling awal dari bahasa tu­lisan menggunakan gambar sederhana dari benda nyata untuk mewakili benda terse­but. Hal yang membuat asal-usul tumpang tindih bahasa ditulis dengan cara hampir identik dengan asal-usul seni rupa.

Tanpa bahasa yang sama, tidak ada komunikasi dan tidak ada pemahaman, dan yang berlaku juga untuk seni rupa. Hal ini juga harus berkomunikasi dengan cara yang mirip dengan lisan dan tulisan bahasa, yang me­miliki tujuan unik manusia dalam menggambarkan du­nia di mana kita hidup, dan bagaimana kita merasakan­nya di setiap aspek kehidupan dan tempat tinggal.

Sebagai bahasa, ia seperti semua ratusan ba­hasa lisan dan tertulis yang mampu mengungkapkan hal yang besar, ruang lingkup tak terbatas dari pikiran ma­nusia, ide-ide, keyakinan, nilai-nilai, dan terutama perasaan kita, nafsu, mimpi, dan fantasi. Semua cerita bervariasi dan tak dibatasi oleh kemanusiaan.

Kosakata seni rupa adalah gambar realistis yang kita lihat di mana-mana di sepanjang hidup kita, dan tata bahasa adalah aturan dan keterampilan yang dibutuhkan untuk berhasil dan merancang gambar.

Berikut adalah bebera­pa aturan tata bahasa yang menyatukan benda-benda nyata atau kosa kata dari bahasa visual seni rupa: menemukan kontur; modeling; memanipulasi cat untuk membuat bayangan dan highlight dengan peng­gunaan kaca dan scumbling, yang meningkatkan bentuk melalui lapisan pigmen. Penggunaan fokus selektif, perspektif, foreshortening, keseimbangan komposisi, menyeimbangkan warna yang hangat dan sejuk, menghilangkan dan mene­mukan bentuk dan garis.

Non-Bahasa Modernisme
Seni modernis dan abstrak bukanlah bahasa. Ia merupakan kebalikan dari bahasa untuk mewakili ketiadaan bahasa. Dan dengan ketiadaan bahasa berarti hilangnya komunikasi.

Ia mengangkat manusia dari karakteristiknya yang mungkin paling penting (yang membuat kita menjadi manusia), yakni kemampuan untuk berkomuni­kasi dengan sangat mendalam, detail, dan canggih.

Dan dalam kasus seni rupa, modernisme membuang satu-satunya bahasa universal yang eksis yakni realisme beserta stan­dar teknik dan keterampilan yang dibutuhkan untuk mencapainya. Ia adalah pengetahuan yang terus tumbuh dan berkembang, dan di­dokumentasikan secara berhati-hati serta dilestarikan melalui pewari­san selama berabad-abad dari para guru kepada siswanya.

Jika kebenaran telah diketa­hui, bahkan seni abstrak bukanlah benar-benar abstrak. Proses meng­gunakan "abstraksi" yang dikredit­kan pada seni modern adalah pe­nyalahgunaan kata "abstrak", yang bermakna hampir sebaliknya. Hal ini sebenarnya, bahasa yang meng­gunakan proses abstraksi untuk menciptakan simbol-simbol yang memiliki arti lain.

realisme-2Hanya manusia yang dapat menggunakan ide-ide abstrak, dan tidak satupun dari mereka terlihat seperti Jackson Pollock atau Wil­lem de Kooning. Mari saya jelas­kan seperti ini: Kata "kertas" berar­ti apa yang saya pegang di tangan. Tulisan kata "k-e-r-t-a-s" adalah abstraksi lebih lanjut dari penguca­pan kata "kertas".

Jika saya membuat sebuah lukisan seorang pria yang sedang membaca dari selembar kertas, maka saya telah menggunakan kosa kata realisme tradisional dan menciptakan berbagai jenis ab­straksi yang langsung dikenali oleh orang yang berbahasa Inggris sebagai "paper", orang Perancis sebagai "papier", orang Hungaria sebagai "papir", atau orang Latvia sebagai "papira".

Setelah kita memahami bahwa seni rupa adalah bahasa visual, dan bahwa proses pembuatannya merupakan abstraksi yang sesung­guhnya, maka penolakan atas dasar deskriptif atau bercerita, jelas-jelas absurd.

Tapi pendidik modernis men­gajarkan siswanya bahwa realisme tidak lebih dari sekedar bercerita, demikian yang mereka kritik. Sama halnya dengan menolak apa pun yang tertulis jika menceritakan kisahnya, atau menggambarkan perasaan, ide, keyakinan, atau piki­ran, atau bahkan jika kata-katanya bermakna apapun.

Seni modern telah mengajar­kan kita, bahwa hal tersebut adalah kebohongan untuk menciptakan ilusi tiga dimensi dalam sebuah karya seni, padahal lukisan adalah benar-benar datar permukaannya, dan Paul Cézanne (pelukis Pran­cis) dikreditkan dengan penemuan "kebenaran" ini, membawa kita lebih dekat kepada kebenaran den­gan meruntuhkan lansekap.

Henry Matisse meruntuhkan rumah dan keluarga kita, Pollock dan Willem de Kooning menempatkan mereka semua dalam blender, dan melem­parkan, atau menggiring, atau menampar kanvas dalam hiruk-pikuk bentuk dan warna yang tak be­raturan.

Kita telah diberitahu, ditunjuk­kan pada sebuah "kebenaran yang luar biasa", bahwa kanvas adalah datar. Nah, kami mempunyai berita kepada pengunjung museum, bah­kan yang berusia 3 tahun sekalipun, bahwa kanvas itu bidang datar.

Dan kemudian para seniman yang telah mendapatkan bukti bahwa kanvas datar, terus menghabiskan sisa karir mereka untuk membuktikan hal tersebut beru­lang-ulang. Tapi, apa yang luar bi­asa di dalam mengatakan, menun­jukkan, atau mengetahuinya?

Menunjukkan fakta yang jelas ini, tercapai baik dengan hanya mengatakannya. Tetapi itu tidak lebih cemerlang daripada men­gatakan bahwa langit berwarna biru, api adalah panas, atau air adalah basah. Kesetaraan dengan absurditas ini dalam bahasa tertu­lis, akan dikatakan bahwa semua tulisan adalah tidak benar karena semua yang ada pada halaman tersebut adalah bentuk yang ber­beda dari garis lurus, melengkung atau berlekuk-lekuk.

Karena lebih mendekati ke­benaran dibanding dengan men­empatkan makna dalam garis -daripada menggunakan mereka membuat kata-kata dan kata-kata untuk membentuk ide itu juga adalah kebohongan. Oleh karena itu, untuk membawa analogi secara penuh, buku terbaik akan menun­jukkan "kebenaran" ini dengan halaman demi halaman dari bentuk dan coretan tak berarti, sehingga menunjukkan kita definisi men­dalam modernis tentang kebenaran.

Berapa banyak buku dan puisi yang akan dibeli dan dibaca, di mana semuanya bentuk tak berarti pada setiap halaman?

Lantas, apakah seni rupa dan sastra yang baik, musik yang baik, puisi, atau seni teater yang baik? Dalam setiap kasus, manusia menggunakan bahan yang dise­diakan oleh alam (tanah liat, warna, gerakan dan suara kehidupan) dan menggabungkan atau membentuk mereka secara kreatif menjadi ses­uatu yang mampu berkomunikasi dan bermakna.

Bagaimana Sebuah Realisme Menjadi Kata Usang.
Sepanjang sejarah, orang telah menemukan satu demi satu cara untuk mengomuni­kasikan pikiran, ide-ide, keyakinan, nilai-nilai, dan seluruh rentang pengalaman hidup mereka.

Ketika tiba pada seni visual, aliran modernis suka mengatakan, "Mengapa membuang-buang waktu Anda untuk melakukan realisme?

Ini semua telah dilakukan sebelumnya. Sama persis dengan mengatakan, "Mengapa membuang-buang waktu Anda untuk menulis sesuatu? Ini semua sudah ditulis. Sudah tidak ada yang dibicarakan lagi."

Realisme telah direndahkan berulang kali menjadi sekedar tidak lebih dari berilustrasi, seolah-olah ilustrasi adalah kata yang usang. Apakah ada yang mengatakan bah­wa Sistine Chapel karya Michel-Angelo hanyalah ilustrasi?

Terlebih lagi, ia tidak menggambarkan Al­kitab. Sebenarnya, ilustrasi adalah kata lain untuk mendongeng.

Akankah kita menolak bahasa tertulis karena ia menceritakan sebuah cerita? Tentu saja tidak. Tetapi kita semua mengakui bahwa ada cerita yang baik dan cerita yang buruk, beberapa ditulis dengan baik atau buruk, fasih atau bertele-tele. Demikian juga ada karya seni yang buruk, biasa-biasa saja, lumayan, maha karya, dan karya langka.

Kita mungkin tidak selalu me­nyetujui seluruhnya, tetapi kebanyakan orang dapat melihat secara intuitif nilai dalam karya Vermeer, Rembrandt, Caravaggio, Alma-Tadema, atau William Bouguereau. Dan jika orang-orang itu tidak di­cuci otaknya, mereka akan cukup banyak melihat kebenaran yang sebenarnya tentang sebuah kanvas beserta gumpalan tak teratur cat di atasnya, bahwa didalamnya hampir tidak ditemui keterampilan yang minim dan kurangnya sarana ko­munikasi yang tulus.

Modernisme perlu menolak semua realisme karena menolak hampir semua makna. Berapa banyak karya modern yang berjudul "Untitled" (tanpa judul)? Untitled 1, Untitled 33, iklan Untitled yang membosankan. Mereka memakai kata "Untitled" seperti lencana ke­hormatan. Dalam melakukan hal ini, mereka mengatakan hal yang sama kepada kami dan profesor mereka, "Dengar, saya berhati-hati untuk tidak mengilhami kekacauan yang saya buat di kanvas dengan tanpa aneka makna sama sekali!"

Mendongeng telah menjadi kata usang dalam dunia seni rupa. Mendongeng direndahkan hanya sebagai "ilustrasi", dan "ilustrasi" itu sendiri diturunkan menjadi "seni komersial".

Mendaftarlah untuk belajar di departemen seni rupa di setiap per­guruan tinggi atau universitas yang ada di Amerika, dan mengatakan kepada "pejabat berwenang" bah­wa Anda ingin melukis sebuah adegan anekdot besar, baik tentang sejarah, atau lukisan alegoris, atau bahkan adegan sehari-hari yang menangkap kehidupan modern, yang mungkin melambangkan atau mengungkapkan tema yang paling kuat dari manusia. Menurut Anda apa yang akan terjadi?

Dengan memandang rendah pada Anda, ia mencoba untuk mencari cara bagaimana agar bisa mengatakan apa yang mereka in­gin katakan tanpa menghina Anda terlalu banyak, dengan sopan mereka akan memberitahu Anda, "Wah sayang, Anda harus benar-benar memeriksa lagi departemen seni grafis atau melihat ke dalam sekolah seni komersial atau pergi ke sekolah perdagangan, dalam hal ini kami tidak mempertimbangkan minat seni rupa Anda."

Mereka akan memberitahu Anda bahwa mendongeng bukan­lah hal yang mereka lakukan. Itu tidak menarik perhatian mereka. Ini bukan tujuan yang cocok untuk seni rupa. Ini tidak "relevan".

Jadi, apa yang sepatutnya bagi modernis dan filsafat pasca-modernis? Apa yang relevan? Mereka akan memberitahu Anda, "Bentuk untuk kepentingan diri sendiri ... warna untuk kepentingan sendiri .... Garis atau massa untuk kepentingan mereka sendiri." Itu­lah seni. Tidak ada lagi seni yang harus berkomunikasi atau meng-ungkapkan. Mereka mengatakan akan menunjukkan kepada kita bagaimana melihat secara berbeda. Tapi kita semua melihat apa yang ada dan terlebih lagi apa yang tidak ada.

Bagi mereka, tipuan abstrak atau minimalis jauh lebih layak di­beri penghargaan daripada mencip­takan adegan dari dunia nyata, atau dari fantasi kita, mitos, atau legen­da; lebih besar daripada citra yang menunjukkan harapan, mimpi, dan saat-saat yang paling kuat dalam hidup kita.

Kanvas kosong, atau ruang ko­song, atau tumpukan batu adalah lebih penting bagi mereka dan subjek yang jauh lebih "relevan" dibanding saat-saat dalam kehidu­pan yang menggambarkan dan mendefinisikan kemanusiaan kita.

Warna kotak lebih unggul dari­pada subjek tentang warna orang; lapisan kertas bertekstur mengalah­kan penonjolan lapisan tekstur ke­hidupan. Menggiring cat lebih me­narik daripada seorang anak belajar bagaimana untuk menggiring bola basket. Kantong sampah dianggap lebih canggih daripada menunjuk­kan transisi kesadaran diri seorang remaja menuju kepercayaan diri yang lebih dewasa. Dan lampu berkedip-kedip di ruang kosong menarik pujian jurnalistik, sedang­kan kedipan dari bagian kehidupan dan waktu adalah sentimentalitas yang tak berharga.

Ini adalah aturan bebal dari pe­jabat berwenang museum dan per­guruan tinggi kita yang berpegang pada ketidakrelevanan yang dan­gkal selama seratus tahun, mem­bosankan jiwa batin dan generasi muda kita dalam suatu sistem di mana sebuah keterampilan diejek, yang berbakat diabaikan dan dike­cewakan.

Menghijaukan Kembali Pengetahuan yang Tandus
Para maestro tua hingga hari ini dalam kondisi sekarat tanpa memi­liki generasi terlatih untuk melindungi, memelihara, dan melestarikan apa yang telah dipelajari selama berabad-abad sebelumnya.

Tapi kini, saya sangat senang meng­abarkan bahwa ada generasi penerusnya, dan itu adalah kita semua. Kita semua adalah bagian darinya. Seniman realis di masa ini adalah pahlawan budaya.

Kita semua sama-sama memainkan peran dalam melestarikan dan mengem­bangkan lebih lanjut salah satu prestasi terbesar umat manusia: seni rupa. Hanya saja, pada tiga dekade yang lalu, hampir tidak ada orang yang memercayai terha­dap hal yang kita lakukan saat ini. Na­mun dalam 10 tahun terakhir, khususnya setelah terjadi ledakan dalam ukuran dan jajaran gerakan realis.

Mulai dari tetesan hingga arus deras dari puluhan ribu, bahkan ratusan ribu orang yang kini andil dalam membang­kitkan kebesaran seni rupa realisme, yang telah menjadi bahasa universal yang hilang, yang dapat membantu menafsirkan dan mengekspresikan ide-ide serta perkembangan selama 100 ta­hun terakhir. Mungkin dalam banyak hal, menjadi abad yang paling penting dalam sejarah manusia.

Banyak seniman saat ini, sekali lagi melihat prestasi dan kebesaran seni rupa dari masa lalu, dan sekali lagi berusaha untuk membangunnya kembali di atas apa yang pernah eksis sebelumnya, seiring dengan kita memasuki abad ke-21.

Modernisme mencapai monopoli vir­tual pada abad yang lalu, dengan kontrol yang tak serupa dengan cengkeraman kuat regulator pemerintah ataupun komi­si lisensi resmi.

Lembaga-lembaga budaya yang ber­pengaruh melarang hampir semua karya seni yang dilakukan oleh seniman yang terbilang realisme tradisional. Mereka mengendalikan dan masih menguasai hampir setiap museum dan departemen seni rupa di perguruan tinggi dan univer­sitas di Barat.

'The Barber Shop' dilukis tahun 1875, karya George Elgar Hicks (1824 - 1914) Art Renewal Center.

Hampir semua jurnalistik kritikus seni di koran dan majalah sama-sa­ma menunjukkan konsumsi yang bias sepenuhnya. Semua guru seni dan kursus seni di setiap jenjang pendidikan mulai dari TK sampai sekolah pascasarjana diikutsertakan. Modernisme membanjiri seluruhnya, bahkan akademi seni seperti Cooper Union, Pratt, dan Rhode Island School of Design terfokus padanya.

Tidak peduli ke mana Anda berpa-ling, Anda tidak bisa menemukan pro­gram pendidikan yang didedikasikan un­tuk mengajarkan keterampilan realisme klasik tradisional. Serikat seniman realis sudah lama lenyap, dan sekolah berbasis atelier (bengkel kerja) telah menghilang juga.

Kita hanya bisa menemukan benang langka atau dua pengajaran yang masih termasuk dalam teknik pelatihan yang telah digunakan hampir di semua tempat sampai awal abad ke-20. Oh, tentu saja sebagian besar departemen seni mem­bayar pengajaran lisan cara menggam­bar, dan biasanya akan mencakup satu kelas menggambar makhluk hidup seba-gai persyaratan meraih gelar dalam seni rupa atau pendidikan seni.

Tapi hampir semua program tersebut dijalankan oleh guru seni yang tidak bisa benar-benar menggambar dirinya. Dan seperti kebenaran di hari ini, juga seperti seratus tahun yang lalu, atau seribu tahun yang lalu, "Anda tidak akan bisa mengajarkan apa yang tidak dapat Anda lakukan sendiri."

Apa yang disebut kelas menggam­bar kehidupan biasanya mengkhususkan diri dalam pose lima menit, di mana para siswa diajarkan bahwa menangkapkan gerakan yang cepat adalah lebih penting daripada mendapatkan gerakan yang benar. Gambar yang dilakukan dengan baik serta menunjukkan kedalaman pengalaman dan usaha, dihentikan karena dianggap terlalu banyak usaha dan me­miliki terlalu banyak aturan.

Tapi belajar cara menggambar juga memerlukan pose yang lama. Cukup lama bagi siswa untuk belajar bagaimana menemukan goresan yang tepat untuk menegaskan kontur. Kontur yang mende­sak masuk dan keluar dari bentuk, kon­tur yang memungkinkan menampakkan perspektif dan pemodelan sukses. Hanya pelatihan atelier klasik yang bisa men­capai apa yang diperlukan bagi seniman untuk menghidupkan ide-ide kreatif mereka. (fdz/rahmat)

Tulisan ini adalah bagian dari serial presentasi pidato yang diberikan oleh Frederick Ross pada 7 Februari 2014. Pidato tentang garis pokok seniman yang diberikan pada Connecticut Society of Artists Portrait. Frederick Ross adalah ketua dan pendiri Art Renewal Center (www. artrenewal.org).
Sumber dari : http://erabaru.net/keluarga/tionghoa-mega-2/parenting/8734-membangun-klasik-mengapa-realisme-1